Mujeres trabajadoras animadas gigantes por la artista israelí Holy Era

Holy Era es una artista autodidacta afincada en Haifa, Israel. Inspirada por el graffiti, ha desarrollado su propia forma de trabajar, combinando el street art, la animación y el feminismo. Para terminar el #mtnwomensmonth, nos pusimos en contacto con ella para saber sus inicios en la zona rural de Israel, los pros y los contras de ser una mujer escritora y su serie internacional dedicada a las mujeres en el espacio público.

¿De dónde eres?

Crecí en el centro de Israel. Luego me trasladé a un pueblo cercano a Tel Aviv antes de ir a Jerusalén a estudiar. Luego vine a Haifa.

¿Fue entonces cuando empezaste a pintar?

Llevo pintando desde la infancia y empecé a experimentar con el graffiti cuando era adolescente.

¿En quién te inspiraste?

Crecí en un pueblo donde no había graffiti. Me inspiré en mi primo, Tal Cooperman, escritor de graffitim, que creció en Los Ángeles. Mi madre le enseñó a pintar cuando era un niño. Mi primo nos enviaba fotos analógicas por correo cuando empezó a escribir y esa fue la primera vez que vi ese tipo de trabajo.

Empecé a pintar por mi cuenta. No conocía a nadie. Iba a edificios abandonados en medio de la nada y aprendí  por mi cuenta a usar el spray.

A veces era un poco peligroso. Una chica joven yendo sola a pintar a esos lugares. Ahora no soy lo suficientemente valiente para hacerlo.

¿Existe en Israel una fuerte escena de arte callejero y graffiti?

Sí, es muy fácil pintar en Tel Aviv, y mucha gente lo hace.

¿Se debe a que la sociedad tolera el graffiti?

Si no intentas pelearte con las autoridades, te dejan en paz. Yo nunca fui demasiado dura y elegía lugares tranquilos. Pero en el sur de Tel Aviv se puede pintar, nadie limpia las piezas.

¿El pintar ha sido una ventaja o una desventaja para ti como mujer?

Depende. Al principio, cuando empecé a conocer a pintores, quizás intentaban ligar conmigo. Cuando no quería salir con ellos, ya no me invitaban a pintar. Eso fue difícil para mí porque no conocía a ninguna mujer que pintara.

Como mujer, cuando estás en un espacio público, te observan. Especialmente si alguien te ve pintar, recibes mucha más atención. Así que, según mi experiencia, es más difícil.

Sin embargo, a veces, si viene un policía o un local al que no le gusta que pintes, puedes relajar a la persona más fácilmente siendo mujer.

Es más fácil negociar.

Exactamente.

Si la gente mira tu Instagram, va a ver muchos más tatuajes que pintura. ¿Es esa tu otra pasión?

De hecho es lo que más hago. Así me gano la vida. Mi último viaje a Europa combinó la residencia artística en Portugal con espacios como invitado en estudios de tatuaje en París y Barcelona. Se suponía que iba a tatuar en Lisboa después de la residencia, pero COVID cambió mis planes y, por desgracia, tuve que volver a casa antes de tiempo.

¿Puedes hablarnos de la serie en la que estás trabajando?

Es una serie de loops de animación pintados en las paredes, que expresan la mirada femenina sobre las diferentes puestos que ocupan las mujeres en el espacio público. No sé cuántas piezas habrá en la serie, pero quiero hacer tantas como sea posible. Todo empezó con un muro al que me invitaron a pintar en el Mar Muerto, en el desierto de Israel. Era un proyecto que pretendía concienciar sobre el estado crítico en el que se encuentra.

Cuando me enviaron una foto del muro, no sabía cómo enfocarlo porque era muy ancho y estaba dividido por ventanas. Pensé que podría ser bonito hacer una animación experimental. Vengo del mundo del street art y más tarde estudié animación, así que era una buena oportunidad para combinar las dos cosas.

Decidí pintar cinco fotogramas, que edité para hacer la pieza terminada. Pinté el ciclo de paseo de una mujer nativa. Cuando llegué al lugar, vi que toda la pared estaba perforada con agujeros de bala de la guerra de 1967. La gente del proyecto me preguntó si quería que se arreglara el muro, pero dije que no. El  muro así  añade mucho a la obra, y ahora la mujer atraviesa las balas para siempre.

Es interesante para mí porque es un mural y una animación que también es específica del lugar, la relación entre la pintura y el lugar, crea el significado de la obra.

400 Years In The Desert from Holy Era on Vimeo.

¿Cómo surgió la siguiente parte del proyecto?

La segunda parte, 'Wakeup Call' fue en Konvent, cerca de Barcelona. La tercera parte, 'Labor', fue en una zona industrial gestionada por la residencia PADA en Barreiro, un poco al sur de Lisboa. Todo el terreno está contaminado, así qpoco se puede hacer allí, pero hay grandes espacios para que los artistas vayan a hacer cosas.

Quería rendir homenaje a las mujeres que trabajaban en las fábricas abandonadas de la zona. En una época en la que Portugal era todavía una dictadura y a las mujeres no se les permitía trabajar, cuando por fin  se les  permitió, las fábricas les dieron trabajo y cuidado de los niños, así como un lugar para vivir. Fue la primera vez que hubo un sistema sanitario en Portugal, que se extendió a todo el país.

Allí lo tenían todo: casas, escuelas y cultura. Los hombres se sentían atrapados, pero las mujeres eran felices porque tenían la libertad de trabajar y ganar dinero. Se ponía perfectamente de manifiesto la brecha de género, y lo que era importante para las mujeres y los hombres.

Nos alojamos en las casas que tenían los antiguos trabajadores y  decidí pintar en una antigua fábrica de pintura. El mural era grande, 12 cuadros, casi 70 metros cuadrados.  Pintar el mismo cuadro una y otra vez era muy sistemático. Mi experiencia estaba conectada con la experiencia de la vida de los trabajadores así que decidí llamar a la obra "Labor", refiriéndome tanto al trabajo remunerado como al parto.

LABOR from Holy Era on Vimeo.